Deux principaux peintres : Pierre Paul Rubens et Rembrandt van Rijn.
1/ Rubens
Rubens, peintre flamand, quitte Anvers pour étudier en Italie, à Venise en juin 1600. Il sera obligé de travailler, de produire des œuvres. Il sera peintre pour la cour italienne : portraits, copies d’œuvres de maîtres italiens, paysages. La protection du Duc de Mantoue va lui permettre de rester en Italie. Il va étudier les œuvres de la Renaissance italienne, visiter les environs, Rome, l’Espagne. Il va beaucoup s’inspirer de Léonard de Vinci. Il ne peint que les chevaux et les félins. Si sur ses tableaux il y a d’autres animaux, ils ne sont pas de lui ! Il va s’intéresser à Michel-Ange et Raphaël, dont il reprend le portrait de Baldassare Castiglione : il allonge le tableau, le vieillit, travaille l’ombre et la lumière pour montrer les mains. Il s’intéresse aussi à Parmesan et son Cupidon taillant son arc : il modifie les couleurs, en fait une version élargie, plus âgé, plus masculin, plus en chair et des ailes plus amples. Pour lui cela correspond à ce qu’il juge juste.
Il acquiert une culture visuelle, ne répète pas et veut en faire autre chose après avoir intégré, digéré une culture et prendre corps avec elle. Il reprend l’inspiration antique pour Hercule et Omphale, traité en burlesque (condamnation de la luxure et de la lascivité). Rubens multiplie les références visuelles très fortes.
Un domaine où il va modifier le panorama artistique de l’Europe, c’est le portrait.
Charles Quint à la bataille de Mühlberg de Titien : il va renoncer au portrait à la flamande (cadrage serré, force détail dans la physionomie) pour un portrait grand format en pied. Il donne naissance au portrait équestre du duc de Lerme : la monture est de biais, une dynamique. Même l’animal nous regarde davantage que le duc. Il compense le strabisme du duc par le regard du cheval.
Suite à cette toile, d’autres vont suivre. Rubens est décidément le maître des couleurs et des lumières.
En 1609, il rentre à Anvers, sa mère est malade. D’ailleurs elle meurt avant son retour.
Il ouvre un très grand atelier. Il est courtisé par les plus grands d’Europe.
Il va travailler pour l’Archiduc Albert et Isabelle pour participer au remaniement de l’identité culturelle des Pays Bas : remplacer l’ensemble des retables dans les églises pendant les différentes crises iconoclastes. Tout est à refaire, il faut décorer les églises flamandes.
Il va peindre en recto verso, des polyptyques avec un panneau central et un panneau de chaque côté. Pour exemple, l’érection de la croix et la descente de la croix. Les retables sont immenses mais il aime travailler les grands formats et avance vite. Il répond aux dogmes sur les images de la contre-réforme catholique. Il unifie le tableau dans un même espace-temps, basé sur des grandes diagonales qui unifient le panneau central et les panneaux latéraux. Tout est violent : couleur, action, représentation, lumière transcendante. La descente de croix est monumentale. Au verso : le symbole de la foi chrétienne.
Le Jugement dernier (inspiré de celui de Michel-Ange à la chapelle Sixtine) : présence d’un maure (Anvers est un port actif avec des esclaves noirs) qui va dans le sens que les maures peuvent avoir les âmes sauvées par une évangélisation. Importance du corps.
Prométhée enchaîné : corps héroïsé. Il travaille sur la profondeur de la peinture sur la passion qui va jusqu’à déformer le corps (souffrances auxquelles il est soumis). Si le corps masculin est considéré comme supérieur, le corps féminin est imaginaire. Il est interdit aux artistes de recourir à des modèles féminins.
Andromède : forcément, elle est peinte d’après un modèle vivant. Cette femme n’est pas idéalisée, c’est le sosie d’Hélène Fourment (la deuxième femme de Rubens). Il veut représenter un être de chair qui donne envie de toucher, palper comme une sculpture, avec la chaleur de la couleur qui anime la chair.
2/ Rembrandt
Rembrandt est un peintre hollandais qui va travailler sur le rôle de la lumière.
La main chaude : il va exagérer sur le clair-obscur.
Il va produire des tableaux de moins en moins colorés : la Compagnie musicale, l’homme riche.
Il va peindre des portraits avec une certaine austérité, un dépouillement : Portrait de Johannes Wtenbogaert.
La leçon d’anatomie du docteur Tulp : la guilde des chirurgiens commandent ce tableau de portrait de groupe. Le cadavre est de biais, dans la diagonale. Le docteur Tulp a toute l’attention (il est isolé à droite et tous les regards sont tournés vers lui). C’est le corps d’un criminel de 28 ans. La vivisection commençait par l’abdomen, en public (mais on ne voit pas). C’est l’éloge du docteur Tulp, le nouveau André Vésale (considéré comme le plus anatomiste de la renaissance).
Rembrandt veut incarner les valeurs de la guilde : des valeurs allégoriques. C’est plus qu’un simple portrait mais pas complètement réaliste.
La leçon d’anatomie du docteur Meijman : quasiment détruit au 18ème siècle par un incendie. Effet de clair-obscur, vivisection en acte rituel. On ne peut penser qu’au Christ mort de Montegna.
La Ronde de nuit : une milice, un regroupement sans vocation professionnelle mais politique et citoyenne au cœur de la ville. Des gardiens venant de toutes les catégories socio professionnelles. Le tableau a été vendu 1 600 florins. Chaque figurant a payé en fonction de sa place dans le tableau. Il le peint entre 1640 et 1642, juste avant la mort de sa femme, avant sa décadence. L’action est dramatique, une profondeur ténébreuse. Les 34 figures dans le portrait ont été conçues comme un tout et non comme une série de portraits individuels. Le tableau a été amputé dans sa partie gauche. Le capitaine et son lieutenant arrivait vers le centre. Deux personnages visibles : le lieutenant et la jeune fille en jaune avec des éléments symboliques de la ville d’Amsterdam.
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